Die Nominierten für den besten Film dieses Jahres, sortiert nach Gewinnwahrscheinlichkeit

Ich weiß nicht, welches Maß an emotionaler Verwüstung und historischer Bürde die Oscar-Wähler treffen muss, denn Ich bin immer noch hier den Preis für den besten Film zu gewinnen, aber das ist gewagt. Der Film —ein packendes und herzzerreißendes Drama, das bereits als erster brasilianischer Film Geschichte geschrieben hat und als erster brasilianischer Film für den besten Film nominiert wurde—folgt Eunice Paiva (Fernanda Torres), die nach dem Verschwinden ihres Mannes während der brasilianischen Militärdiktatur für die Wahrheit kämpft. Torres kraftvolle Darbietung brachte ihr sogar einen Golden Globe, aber die Academy neigt immer zu englischsprachigen Prestigefilmen, was einen Gewinn unwahrscheinlich macht. Ja, Parasit hat diese Barriere zerschmettert, aber das war ein seltener, unbestreitbarer kultureller Moment. Wenn sich die Wähler nicht hinter seiner rohen Macht und seiner Menschenrechtsbotschaft versammeln, Ich bin immer noch hier wird wahrscheinlich eher ein gefeierter Nominierter als Gewinner des Besten Films bleiben.

Sehen Sie, ich habe keine Ahnung, welche Galaxien erobert, welche Wurmflüssigkeit eingenommen oder welche Prophezeiungen erfüllt werden müssen, damit die Oscar-Wähler der Meisterleistung im Weltenbau, die Regisseur Denis Villeneuve hier abliefert, den gebührenden Respekt zollen. Bis jetzt ist das jedoch nicht der Fall. Dune: Teil Zwei ist einer der am schönsten gedrehten Filme dieses Jahrzehnts, insbesondere der einfarbige Gladiatorenkampf mit dem blutrünstigen und kahlköpfigen Feyd-Rautha Harkonnen (Austin Butler), der seine Dominanz demonstrieren will. Der Film über Paul Atreides (Timothée Chalamet), der sich bei den Fremen einschmeichelt, bevor er seinem Titel voll gerecht wird, versetzt den menschlichen Kampf um Liebe, Familiennachfolge und Schicksal auf eine intergalaktische Ebene, ohne die Authentizität abzuwerten.

Es wird einfach sehr schwer für einen Film, den Oscar für den besten Film zu ergattern, wenn die Oscar-Wähler nicht einmal dachten, dass der Filmemacher, der den Film inszeniert hat, einen Bester Regisseur nicken. Es ist wahr dass KODA hat dieses Kunststück erst vor einigen Jahren geschafft, es besteht also noch Hoffnung. Aber es wird die Fortsetzung das selbe Schicksal erleiden wie seinen Vorgänger, der ohne den Preis für den besten Film nach Hause ging .

Böse macht Spaß. Böse gemacht viel Geld. Böse hat Menschen, die nicht singen können, dazu inspiriert, hohe Töne zu treffen , die nur bestimmte Stimmbänder der menschlichen Welt erreichen können. Trotz allem ist es gesagt, Böse ist nicht einen Oscar für den besten Film zu gewinnen. Die Theateradaption des legendären Broadway-Stücks ist eine kluge und herzige Erforschung der Weise zweier sehr unterschiedlicher Hexen – Elphaba (Cynthia Erivo), mit grüner Haut geboren und Glinda (Ariana Grande), die sozial kompetente „gute Hexe“ aus Der Zauberer von Oz— werden unerwartete Freunde, bevor das Schicksal ihre Wege in entgegengesetzte Richtungen lenkt.

Leider Böse könnte unter dem leiden, was Barbie zurück vom Oscar-Gold, da die Akademie normalerweise Filme mit dramatischeren Untersuchungen des menschlichen Daseins belohnt (Oppenheimer, Mondlicht, Parasit) und weniger Mitsing-Aktionen. Das könnte erklären, warum seither kein Musical mehr die höchste Auszeichnung bei den Oscars gewonnen hat. Chicago tat dies vor 22 Jahren. Vielleicht reichen der unbestreitbare Charme und die Chemie zwischen Grande und Erivo auf der Leinwand aus, um die Wähler davon zu überzeugen, ihre Stimme für diesen unterhaltsamen und doch komplexen Film abzugeben, der zum Gesicht des Kinos des Jahres 2024 wurde. Aber verlassen Sie sich nicht darauf.

Wenn das vor einem Monat war, wann Emilia Pérez erhielt die die meisten Oscar-Nominierungen von allem Film Wochen nach der Verleihung der Golden Globes in der Kategorie Bester Film – Musical oder Komödie –wäre der von Jacques Audiard inszenierte Musical-Krimi der führende Kandidat für den Oscar gewesen. Unglücklicherweise hat Karla Sofía Gascón, die den titelgebenden Drogenboss spielt, der sich einer geschlechtsangleichenden Operation unterzieht, einen Sturm der Kontroverse ausgelöst, der alle Erfolge des Films überschattet hat. Ihr rassistische und abwertende Tweets aus der Vergangenheit über Muslime und George Floyd sind so mit der Identität des Films verwoben, dass die Schauspielerin an keiner Oscar-Kampagne für den Film teilnahm. Zurück in Cannes hat der Regisseur des Films bezeichnet auf Spanisch als „Sprache der Entwicklungsländer, der bescheidenen Länder, der armen Menschen und der Migranten“, und der Film selbst wurde von Kritikern als offensichtlich rassistisch und transphob. Und das ist schade, denn es gibt Aspekte daran, die es wertvoll sind.

Zoe Saldana liefert als Rita Mora Castro, die Anwältin, die Emilia nach Jahren der Geschlechtsidentitätsstörung zu der gewünschten Operation verhilft, eine karrierebestimmende Darstellung. Der Film glänzt mit Musiknummern und gipfelt in einem tragischen Ende, das seinen ungeschminkten Blick darauf unterstreicht, wie schwer es ist, seiner Geschichte zu entkommen. Doch diese Elemente scheinen dazu bestimmt zu sein, von Problemen sowohl innerhalb des Films als auch darum herum überschattet zu werden.

Die Substanz ist ein packendes Psychodrama über Demi Moores Charakter auf ihrem Weg durch ein moralisches Labyrinth nach einem lebensverändernden Ereignis. Moores rohe und gestaltwandelnde Darbietung als Elisabeth Sparkle sprüht gerade vor der Preisverleihungs-Saison. Obwohl der Film bereits den Golden Globe als Beste Darstellerin in einem Musical oder einer Komödie sowie den Critics’ Choice Award für die Beste Darstellerin und das Beste Drehbuch gewonnen hat, hat er im harten Rennen um die Oscar-Verleihung noch starke Konkurrenz.

In einer besonders eindringlichen Szene geht Sparkle in einem dunklen Motelzimmer auf und ab, ihr Spiegelbild zittert in einem zerbrochenen Spiegel, während sie mit einer Entscheidung ringt, die ihr Leben zerstören könnte. Selbst bei packenden Szenen wie diesen gibt es keine Garantie für einen Sieg als bester Film, wenn man gegen einen Aca-Preisträger antritt. Demy, das sich von mitreißenden historischen Epen bis hin zu zarten, Indie-Publikumslieblingen bewegen könnte. Dennoch besteht die Chance, dass dieser Film sein Lob der Kritiker, seine glänzenden Trophäen und seine gefeierte, unerschrocken raue Hauptdarbietung nutzen kann, um den Oscar-Traum in eine goldene Realität zu verwandeln.

Nickel Boys, RaMell Ross‘ Verfilmung von Colson Whiteheads kraftvollem Roman, hat sich als starker Anwärter herausgestellt. Das Potenzial des Films, den Preis als bester Film zu gewinnen, beruht zu großen Teilen auf seiner eindrucksvollen, preisgekrönten Kinematographie, die die bedrückende Atmosphäre der Dozier School meisterhaft vermittelt. (Es ist wirklich unerklärlich Cable, wie ein Film das wunderschön gedreht hat, ist bei den Oscars nicht einmal für die beste Kamera nominiert.) In der Geschichte von Elwood Curtis (Ethan Herisse) und Jack Turner (Brandon Wilson) erzählen wir die Geschichte zweier schwarzer Jungen im Süden der USA, deren Leben durch ihre Erfahrungen in einer brutalen Besserungsanstalt unwiderruflich verändert wird. Nickel Boys fängt eine Authentizität ein, an die die meisten anderen Nominierten für den Besten Film nicht herankommen.

Seine Großartigkeit beruht auf der kunstvollen Balance zwischen historischer Authentizität und zutiefst menschlichem Geschichtenerzählen. Dabei werden die brutalen Realitäten der Erfahrungen der Jungen an der Schule eingefangen, ohne dabei die Widerstandskraft aus den Augen zu verlieren, die selbst in den dunkelsten Ecken aufblühen kann. Die Aufführungen sind von einer Ehrlichkeit durchdrungen, die die eindrucksvolle Prosa des Buches zum Leben erweckt – jeder Blick, jeder Moment der Stille spricht Bände über den gemeinsamen Kampf der Jungen um Würde und Freiheit. Durch die Verflechtung von Vergangenheit und Gegenwart entsteht ein Film, der die Geschichte von heute erzählt. Nickel Boys zwingt das Publikum, sich damit auszukennen, wie die Nachwirkungen systemischer Ungerechtigkeit auch heute noch nachhallen können, und bietet letztendlich ein Kinoerlebnis, das zu gleichen Teilen erschütternd, einfühlsam und zutiefst notwendig ist. Mal sehen, ob die Akademie bereit ist.

Von dem Augenblick Timothée Chalamet seinen ersten Akkord als Bob Dylan anschlägt, können Sie die Elektrizität in der Luft praktisch spüren – als hielte der Film selbst den Atem an. Chalamets Verwandlung ist so unheimlich, dass Sie glauben Sie sehen Dylan in der Blütezeit mit dem ruhelosen Geist und der poetischen Seele die die Folk-Musik auf den Kopf gestellt haben. Es ist die Art von Leistung, die nicht nur eine Oscar-Nominierung verdient; sie wirft auch die Frage auf: „Wieso konnte er noch nicht gewonnen haben?“ Szenen wie der berüchtigte „elektrisierende“ Moment sind so perfekt eingefangen, dass sie sofort zu Filmklassikern werden könnten, die die stehenden Ovationen verdienen, die bei jeder großen Preisverleihung gerne ausgesprochen werden.

Und nun reden wir über den Elefanten im Zuschauerraum: Seit über vier Jahrzehnten hat kein Musik-Biopic mehr den Oscar für den besten Film gewonnen (wir meinen Sie, Amadeus). Das ist eine Hürde, die groß genug ist, um selbst die selbstbewusstesten Bewerber ins Stolpern zu bringen. Aber wenn ein Film die rohe Intensität der Reise eines Künstlers auf den Punkt bringt – indem er das fehlerhafte Genie, den kulturellen Umbruch und diese einzigartige Stimme zeigt, die durch die Korridore der Musikgeschichte hallt –, könnte er diese Dürre gerade beenden. Die Academy liebt transformative Darbietungen und tief empfundenes Geschichtenerzählen und Eine komplette Unbekannte hat beide im Überfluss. Wenn irgendetwas die Stimmen entscheiden kann, ist es die kraftvolle Kombination aus einem aufschlussreichen Chalamet in Bestform und einem Film, der alle richtigen emotionalen Akzente trifft und jeden daran erinnert, warum wir immer noch nicht aufhören können, die alten Dylan-Songs zu summen.

Konklave, ein exquisit choreografiertes Ballett aus Misstrauen, Glauben und Ehrgeiz, das innerhalb der geheimen Mauern des Vatikans spielt. Es beginnt mit dem Tod des Papstes und stürzt uns dann tief in das Drama einer Papstwahl, bei der alles auf dem Spiel steht und Ralph Fiennes als Kardinal Thomas Lawrence Geheimnisse aufdeckt, die eine Bedrohung darstellen. die Existenz der Kirche an der Grundlage. Regisseur Edward Berger inszeniert jede Stille und jeden Blick mit Oscar-Präzision. Nur nur Filme können so effektiv Bände über Korruption sprechen und so unterhaltsame Szenen zeigen wie die gedämpften Gespräche zwischen den Golden Globe preisgekrönten Titanen Fiennes und Stanley Tucci hier.

Die Anhäufung von BAFTA-, Golden Globe- und Critics’ Choice Movie Awards, insbesondere in Schlüsselkategorien wie Bester Film, Bestes adaptiertes Drehbuch und Ensembleschauspiel, stärkt Konklave’S Platz für den besten Film bei den Oscars. Es ist diese seltene Mischung aus filmischem Spektakel und tiefgründiger Nuance, die dem Film möglicherweise einen Platz in der Oscar-Geschichte sichert.

Anora ist die Art von Film, die aus dem Nichts kommt und einen völlig umhaut. Unter der Regie von Sean Baker geht es um eine junge Stripperin aus Brooklyn namens Ani (gespielt von Mikey Madison), die sich in eine stürmische Romanze mit dem Sohn eines russischen Oligarchen verstrickt. Was als rasante, wilde Liebesgeschichte beginnt, entwickelt sich schnell zu etwas viel Düstererem, als seine mächtige Familie eingreift. entschlossen, sie aus dem Leben ihres Sohnes zu streichen. Der Film ist düster, witzig, herzzerreißend und so voller Leben, dass man fast vergisst, dass man einen Film sieht – so echt fühlt er sich einfach an. Das ist wahrscheinlich der Grund, warum er den umwerfenden Critics‘ Choice Awards als bester Film verliehen bekam, obwohl er in keiner anderen Kategorie gewonnen hat: Es ist die ultimative Underdog-Geschichte, sowohl auf als auch im Privatleben.

Wenn es eine Szene gibt, die Anora ein ernsthafter Oscar-Kandidat ist es die explosive Konfrontation zwischen Anora und der Familie ihres Mannes, als sie versuchen ihre Ehe annullieren lassen wollen. Es ist die Art von Moment, der einem nicht vergessen wird – die Spannung, die rohe Emotion und Mikey Madison, die die Leistung ihrer Karriere abliefert. Sie spielt nicht nur ; sie ist Leben in diesem Moment wechselt innerhalb von Minuten von Verzweiflung zu Wut zu trotziger Widerstandsfähigkeit. Die Kinematographie hält das Geschehen in der Privatheit und lässt jede Emotion wie einen Schlag treffen. Man kann fast fühlen, wie die Wähler der Akademie anerkennend nicken. Wenn Anora den Preis für den besten Film gewinnt, dann nicht, weil er das größte Budget oder die auffälligste Kampagne hatte – sondern weil es die Art von Film ist, die einen fühlen etwas, und das ist letztendlich das, was wirklich zählt.

Im komplizierten Tanz der Preisverleihungssaison tauchen häufig Muster auf, die auf einen möglichen Oscar-Ruhm hindeuten. Bemerkenswerterweise haben sieben der letzten acht Oscar-Gewinner bei den Academy Awards auch bei den Golden Globes entweder den Preis für den besten Film, die beste Regie oder beide Preise gewonnen. Dieser Trend verheißt Gutes für Der Brutalist der vor kurzem den Golden Globe für das beste Filmdrama gewann und Brady Corbet als bester Regisseur geehrt wurde. Diese doppelte Anerkennung erhöht nicht nur die Sichtbarkeit des Films, sondern macht ihn auch zu einem starken Anwärter auf den begehrten Oscar für den besten Film. Neben dem Anklang der Kritiker ist es auch genau die Art von Film, die die Oscarwähler lieben.

Im Mittelpunkt steht László Tóth, ein ungarisch-jüdischer Architekt und Holocaust-Überlebender, dargestellt von Adrien Brody. Der Film zeichnet sein Streben nach dem amerikanischen Traum und die transformative Kraft der Kunst in der Nachkriegsgesellschaft nach. Die gigantische Laufzeit des Films von 215 Minuten entspricht dem epischen Umfang der Geschichte und stellt sie auf eine ähnliche Ebene wie das meisterhafte Oppenheimer, der bei den letzten Oscarverleihungen für seine ambitionierte Erzählweise und sorgfältige Charakterentwicklung mit einer Auszeichnung für den besten Film belohnt wurde. Nachdem Tóths Nichte Zsófia (Raffey Cassidy) eine ergreifende Rede gehalten hat, in der sie enthüllt, dass das Van Buren Community Center, eines von Lászlós bedeutendsten Projekten, bewusst als Spiegelbild an die Konzentrationslager entworfen wurde, in denen ihre Familie einst gefangen war, war der Oscar so gut gewonnen.