Wir haben jeden Tim-Burton-Film, jetzt auch Beetlejuice, vom schlechtesten bis zum besten bewertet.

Wir haben jeden Tim-Burton-Film, jetzt auch Beetlejuice, vom schlechtesten bis zum besten bewertet.

Von Käfersaft zu Edward mit den Scherenhänden, der legendäre Regisseur mit einer ikonischen visuellen Identität hat uns einige Knaller beschert

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Beetlejuice schaut selbstgefällig in die Kamera.
Bild: Warner Bros. Pictures

Der Disney-Animator und legendäre Regisseur Tim Burton ist berühmt für seine Filme mit makabrer Einfallsreichtum, absurdem Sinn für Humor und einem unverwechselbaren visuellen Stil. Tim Burtons Filme sind üppige Hingucker mit übertriebenen Bühnenbildern und scharfen Gegenüberstellungen von düsteren Grautönen und leuchtenden Farben. Und in all seinen Filmen geht es um Außenseiter und Sonderlinge, die sich gesellschaftlichen Normen widersetzen, seien es echte Künstler oder Geister, die hartnäckig in einem Haus spuken.

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Zur Feier der Veröffentlichung der mit Spannung erwarteten Fortsetzung BeetlejuiceBeetlejuice, haben wir uns überlegt, alle Blockbuster von Burton zu bewerten. Diese Liste enthält alle 19 Filme, bei Tim Burton seit 1985 Regie geführt hat, und würdigt eine jahrzehntelange Karriere, in der die Verrückten dieser Welt feiern. Halloween ist dieses Jahr früh gekommen, Leute.

(Hinweis: Burton war nicht Regisseur.) Nightmare Before Christmas – Der Albtraum vor Weihnachten, ein weit verbreitetes Missverständnis, da er der Schöpfer der unvergesslichen Figuren ist.)

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20. Mars-Angriffe!, 1996

20. Mars-Angriffe!, 1996

Ein Außerirdischer schießt mit einer Waffe.
Bild: Warner Bros. Pictures

Mars-Angriffe! ist Tim Burton in seiner verrücktesten und chaotischsten Form in einer Hommage und Parodie auf Science-Fiction und B-Movies der 1950er Jahre. Der Film zeigt ahnungslose Amerikaner die von Außerirdischen überfallen werden – großhirnigen Kreaturen mit riesigen Köpfen, hervorquellenden Augäpfeln und grimmigen Gruseln. Die offensichtlich künstliche CGI soll das kitschige a ehren. Ästhetik der 50er Jahre, aber es sieht so albern aus, dass es schwer ist, irgendetwas davon auch nur annähernd ernst zu nehmen. Die Besetzung des Films ist vollgepackt mit Stars wie Jack Nicholson, Danny DeVito, Glenn Close, Annette Benning, Michael J. Fox, Martin Short und Pam Grier, aber all die Starpower der Welt kann nicht wettmachen, wie Mars-Angriffe ist nichts weiteres als ein Sammelsurium aus skurrilen Gags, die schmerzlich unlustig und zu lang sind. All die Seltsamkeiten –wie Sarah Jessica Parkers Kopf auf einem Chihuahua oder die albernen Skelette, in die Menschen sich verwandeln, wenn sie von Marsmenschen geblitzt werden – fühlen eher unheimlich als komisch. Das unschuldige Charisma der ursprünglichen B-Movies geht hier verloren und alle Versuche dies zu satirisieren lassen sich nicht gut auf die 1990er übertragen.

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19. Planet der Affen, 2001

19. Planet der Affen, 2001

Mark Wahlberg und Helena Bonham Carter (in komplettem Affen-Make-up) stehen zusammen.
Bild: 20th Century Studios

Zwischen den schlampigen Fortsetzungen des Originals von 1968 und der epischen Prequel-Serie mit Andy Serkis‘ atemberaubender Motion-Capture-Darbietung gab es Tim Burtons laues Remake von 2001 Planet der Affen. Das Hauptproblem mit Burtons Version ist , dass sie entweder viel zu übertrieben ist (wie einige der Affen sich über einen Bad Hair Day beklagen) oder sich müht mit den schwereren Themen von Rasse und Klasse geschickt umzugehen. Mark Wahlberg scheint in diesem Blockbuster über einen Planeten , auf dem die Menschen von weit intelligenteren Affen versklavt werden , nicht mit Charlton Heston mitzuhalten, der im ersten Film mitspielte. Das klare Herausragende von Planet der Affen ist das unglaubliche Spezialeffekt-Makeup des Künstlers Rick Baker, das bekannte Schauspieler wie Tim Roth, Helena Bonham Carter und Paul Giamatti nahtlos in Primaten verwandelte und dabei doch einige ihrer erkennbaren Gesichtsmerkmale behielt.

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18. Dunkle Schatten, 2012

18. Dunkle Schatten, 2012

Johnny Depp sitzt als Vampir an einem Tisch.
Bild: Warner Bros. Pictures

Tim Burton versucht überall, sich anzupassen Dunkle Schatten, eine beliebte Seifenoper aus den 1960er Jahren über den reichen Vampir Barnabas Collins, der sich seit Jahrhunderten mit der Hexe Angelique Bouchard streitet. Natürlich sieht Collins‘ weitläufiges Anwesen in Maine unglaublich aus und zeigt Tim Burtons typischen gotischen Stil mit bedrohlichen Türmen und Steinstatuen. mit exquisiter Liebe zum Detail gestaltet. Die dramatische Beleuchtung und die Weitwinkelaufnahmen, in denen staubbedeckte Kronleuchter und altmodische Gemälde zu sehen sind, erwecken das Herrenhaus auf eine Weise zum Leben, wie es in der ursprünglichen Fernsehserie nie möglich war. Doch trotz all der fesselnden Produktionsgestaltung fehlt es an der Geschichte.

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Tim Burton ist normalerweise ein Experte darin, den richtigen Ton zu treffen, aber er weiß nicht, ob er ins Kitschige oder ins Gruselige abdriften soll, was zu einem Film führt, der einen langweiligen Mittelweg geht. Statt uns mit einer weiteren chamäleonartigen Darbietung zu verwöhnen, scheint Johnny Depp zu schlafwandeln, was dies zu seiner bislang schwächsten Zusammenarbeit mit Burton macht (und bis jetzt auch zu seiner letzten). Die meiste Anziehungskraft geht von der weiblichen Besetzung aus, wie etwa Eva Green und Michelle Pfeiffer. Dunkle Schatten vermag die Essenz der Originalserie nicht einzufangen und fügt nichts Eigenes hinzu.

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17. Dumbo, 2019

Dumbo steht mit Freunden.
Bild: Disney

Tim Burton hat ein Auge für Wunder und Kuriositäten und hatte schon immer ein Faible für Zirkusse, und sie sind in den meisten seiner Filme aufgetreten. Wer wäre also besser geeignet, einen neuen Film zu inszenieren? Dumbo Film und erzählen Sie die Geschichte eines Zirkuselefantenbabys, das wegen seiner riesigen Ohren abgelehnt wurde und entdeckt , dass es fliegen kann? Mit seinen großen blauen Augen ist die CGI-Version von Dumbo gerade cartoonartig genug, um das unheimliche Tal des Ultrarealismus zu vermeiden , der in Der König der Löwen „Realfilm“-Adaption. Aber das Problem mit Burtons Version besteht wie bei vielen Realfilmen von Disney darin, dass ein Kurzfilm auf fast zwei Stunden gedehnt wird.

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Obwohl einige Änderungen, wie etwa die Entfernung von Timothy Q. Mouse und den rassistischen Krähen, notwendig waren, ist die Geschichte aus der Zeit nach dem Ersten Weltkrieg über einen einarmigen Veteranen und seine Kinder, die sich um Dumbo kümmern, nicht spannend genug – trotz all dem Charme von Colin Farrell. So sehr wir uns auch bemühen, uns auf sie einzulassen, wir wollen einfach nur zur Hauptattraktion zurückkehren: Dumbo. Leider Dumbo ist Tim Burtons hässlichster Film mit willkürlicher CGI und gedämpften Farben, die den Eindruck erwecken, als sei das Kameraobjektiv mit Schlamm beschmiert. Das Einzige, was Dumbo Der Vorteil besteht darin, dass der Elefant wirklich, wirklich süß ist.

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16. Alice im Wunderland, 2010

16. Alice im Wunderland, 2010

Alice steht mit dem weißen Kaninchen.
Bild: Disney

Oberflächlich betrachtet handelt es sich um ein Disney-Realfilm-Remake von Alice im Wunderland scheint perfekt für Tim Burton zu passen. Während die 2010er Alice im Wunderland hat alles, was einen Tim-Burton-Film so einzigartig macht – bezaubernde und doch seltsame Charakterdesigns, eine viktorianisch-gotische Ästhetik und exquisit detaillierte, surrealistische Kulissen – und trotzdem schafft es der Film irgendwie, glanzlos zu sein.

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Das Highlight des Films sind seine Hauptfiguren, deren gruselige Eigenschaften zu einer etwas verrückteren Version des Wunderlandes beitragen. Johnny Depps Verrückter Hutmacher mit seinem blassen Gesicht, den leuchtend grünen Augen und dem orangefarbenen, krausen Haar ähnelt einem verrückten Clown, während Helena Bonham Carters Rote Königin einen riesigen CGI-Kopf hat, um ihre Arroganz zu betonen. Tweedledee und Tweedledum erinnern mit ihren unheimlichen tiefliegenden Augen und rundlichen Körpern, die von winzigen, dünnen Beinen getragen werden, an Der Pinguin aus Batman. Aber diese Version von Alice im Wunderland versucht, Alice‘ Charakter eine langweilige Art von Feminismus im #Girlpower-Stil zu verleihen. Sie wird zu einer Kriegerin, die langweilige Kampfszenen vor stumpfen, gräulichen Farbtönen anführt.

Diese Art der Erweiterung der ursprünglichen Erzählung, oft im Dienste der Schaffung stärkerer weiblicher Charaktere, wurde zu einem Trend, der in zukünftigen Verfilmungen von Disney mal gut und mal schlecht war. Trotz aller visuellen Fülle Alice im Wunderland reicht zu nicht aus.

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15. Die Insel der besonderen Kinder, 2016

15. Die Insel der besonderen Kinder, 2016

Die eigentümlichen Kinder stehen zusammen.
Bild: 20th Century Studios

Das Cover von Ransom Riggs‘ Buch Die Insel der besonderen Kinder sieht genau aus wie ein Film von Tim Burton: schwarz und weiß, mit einem gruseligen viktorianischen Kind und kahle krumme Bäume im Hintergrund. Das Buch und der Film handelt von einem kleinen Jungen der eine Gruppe von Kindern mit übernatürlichen Fähigkeiten entdeckt , bekannt als die „Peculiars“, und ihren in einer Zeitschleife befindlichen Betreuer, der trans verwandeln kann Die Gestalt eines Wanderfalken. Als Miss Alma Lefay Peregrine besitzt Eva Green eine ruhige, intensive Präsenz, die ihre Darstellung hypnotisch macht. Emma Purcell, die ein Mädchen spielt, das Luft manipulieren kann, ist ein weiteres Highlight. Ihre ausdrucksstarken, eulenartigen Augen vermitteln eine Ernsthaftigkeit, die die Geschichte vorantreibt.

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In Burtons Händen verwandeln sich die Hollowgast-Bösewichte in surreale, alptraumhafte Kreaturen mit blassen Körpern, augenlosen Köpfen, scharfen Zähnen und vielspitzigen Zungen. Obwohl die fantasievolle Prämisse, die eigenartigen Charaktere und die Kulisse eines viktorianischen Herrenhauses unbestreitbar burtonesk sind, gibt es zu viele Probleme mit der Handlung und dem Tempo. Die Insel der besonderen Kinder wirkt gehetzt und gleichgültig in den Emotionen des Geschehens auf dem Bildschirm und trifft nur die wichtigsten Storys des YA-Phänomens um es auf zukünftige Fortsetzungen vorzubereiten.

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14. BeetlejuiceBeetlejuice, 2024

14. BeetlejuiceBeetlejuice, 2024

Beetlejuice steht mit ausgestreckten Händen.
Bild: Warner Bros. Pictures

Es ist über 30 Jahre her, seit Tim Burtons gruselig-hysterischer Käfersaft hat das Klischee des Spukhauses auf den Kopf gestellt, und jetzt haben wir eine Fortsetzung, in der die beliebten Charaktere aus dem Originalfilm und ihr Haus auf dem Hügel in New England wieder auftauchen. BeetlejuiceBeetlejuice hat viel mehr Girl-Power, was toll zu sehen ist: Winona Ryders Lydia, die sich von einer trübsinnigen Teenagerin zu einem übersinnlich begabten TV-Star entwickelt hat, der mit Ängsten und Pillen schlucken kämpft; Catherine O’Haras melodramatische Künstlerin, die von der Bildhauerei zur Multimediakunst übergegangen ist; und Jenna Ortega, die genauso trübsinnig ist wie Lydia in diesem Alter war, und ihrer Mutter ihren Ruhm und ihre Fähigkeit übel nimmt, mit jedem anderen Geist außer ihrem Vater zu sprechen . Natürlich ist es ein Riesenspaß, Michael Keaton wieder als Betelgeuse zu sehen, aber durch die Modernisierung seines Humors wirkt der Film weniger beißend und scharf als das Original, und die gesamte Nebenhandlung um seine Ex-Frau Delores wirkt hineingezwängt.

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BeetlejuiceBeetlejuice versucht, tiefere Themen wie toxische Beziehungen zu erforschen, hört aber nie auf, durch verschiedene Handlungsstränge, komödiantische Gags oder nostalgische Rückblicke zu hetzen, um Raum für eine emotionale Verbindung mit den Charakteren zu schaffen. Einige Anspielungen auf den ersten Film sind großartig, wie Delias altes Skulpturen, die sich jetzt in Astrids Privatschule befinden, dank ihrer Finanzierung des Kunstzentrums und der Rückkehr der Stop-Motion-Sandwürmer. Aber andere wie „Day-O“, das bei Charles‘ Beerdigung gesungen wird, ergeben überhaupt keinen Sinn. Es macht großen Spaß wieder in dieser makabren Unterwelt zu sein, aber BeetlejuiceBeetlejuice fühlt sich letztendlich wie eine leere Echokammer einer besseren Vergangenheit an.

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13. Pee-Wees großes Abenteuer, 1985

13. Pee-Wees großes Abenteuer, 1985

Pee-Wee-Trampen.
Bild: Warner Bros.

Als kleines Kind hatte ich Angst vor Pee-Wee, deshalb war ich nie ein großer Fan davon. Pee-Wees großes Abenteuer, obwohl ich weiß, dass es für viele ein Nostalgie-Favorit ist. Paul Reubens übertriebene Darstellung des optimistischen Jungen, der nie erwachsen wurde und auf der Suche nach seinem Fahrrad ist, war zu nervig; seine wilden Mätzchen, wie das Tanzen für eine Motorradgang oder das Schleichen auf ein Warner-Bros.-Gelände, waren zu albern. Aber als Tim Burtons Spielfilmdebüt ist er ein wichtiges Schaustück für die skurrile Ästhetik, für die er bald berühmt werden sollte. Insbesondere die Traumsequenzen mit Killerclowns und einem Stop-Motion-T.-Rex besitzen die Art von gruseliger Verspieltheit, die seine späteren Arbeiten vorwegnimmt. Pee-Wees großes Abenteuer hat eine unerbittliche kindliche Absurdität, die viele charmant finden –vor allem jüngere Zuschauer. Aber wenn Sie Pee-Wee nicht lustig oder süß finden, gibt es hier außer den umwerfenden Spezialeffekten nicht viel zu bieten.

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12. Große Augen, 2014

12. Große Augen, 2014

Amy Adams hält ein Gemälde.
Bild: The Weinstein Company

Große Augen ist ein Biopic über einen verkannten Künstler, und er reicht auch nicht die emotionalen oder visuellen Höhepunkte von Ed Wood, es wird durch eine nuancierte Darbietung von Amy Adams als Margaret Keane getragen, die echte Frau hinter den berühmten Gemälden von kindern mit traurigen Augen (ihr gewalttätiger Ehemann Walter Keane gab sich als wahre Künstlerin aus). Es sind die kleinen Momente, die Amy Adams’ Darbietung ausmachen, alles was sie nicht sagt während sie ihre Lippen presst oder die flackernde Enttäuschung in ihren Augen oder die ver die Lügen ihres Mannes. Auch einmal verwendet Tim Burton Farbe, um die Gefühle der Geschichte zu vermitteln: Die Freude ihrer frühen Ehe ist in gesättigte Farben getaucht, wird jedoch während ihrer Konflikte über die Bilder dunkler und mit kühleren Tönen. Es ist erfrischend zu sehen, wie Tim Burton das Privatleben einfacher Menschen erkundet; er macht das so gut, dass man sich wünscht, er würde das öfter tun.

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11. Charlie und die Schokoladenfabrik, 2005

11. Charlie und die Schokoladenfabrik, 2005

Willy Wonka steht mit den Gästen der Schokoladenfabrik.
Bild: Warner Bros. Pictures

Manche mögen sagen, es sei ein Sakrileg, Tim Burtons Charlie und die Schokoladenfabrik im Vergleich zum Original von 1971 mit Gene Wilder, aber Tim Burtons Stil passt perfekt zur Geschichte eines kleinen Jungen, der einen Wettbewerb gewinnt, bei dem es die Erkundung einer geheimnisvollen Süßigkeitenfabrik erledigt werden kann. Tim Burton gestaltet Willy Wonkas riesigen Süßigkeitenpalast mit viel Liebe mit gebauten Sets anstelle von CGI und füllt sie mit hellen grünen Gras, riesige Zuckerstangenbäume und ein Schokoladenwasserfall. Alle süßen Leckereien sehen glänzend und fast zu perfekt aus, um wahr zu sein. Burton schafft einen auffälligen Kontrast zwischen der wunderbaren Fabrik und der tristen Industriestadt, in der sie sich befindet, wobei Charlies strohgedecktes Haus übertrieben zur Seite geneigt ist.

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Mit unbeschwerter Stimme und Umständlichkeit kreiert Johnny Depp eine Version von Willy Wonka, die weniger psychopathisch ist als die von Gene Wilder. Er ist lustiger und hat mehr emotionale Tiefe, eher wie ein sozial unfähiges, übergroßes Kind mit Vaterproblemen. Wir fühlen mit ihm, als wir mehr über seine traumatische Kindheit und sein angespanntes Verhältnis zu seinem Vater erfahren, der vom großartigen Christopher Lee gespielt wird.

Anstelle des furchterregenden, hypnotischen Dröhnens des Originals sind Burtons Oompa-Loompa-Musiksequenzen eingängig und unterhaltsam und verwenden eine Vielzahl von Genres von Heavy Metal bis Hippie-Folk. Charlie und die Schokoladenfabrik verwendet bereits vorhandenes Material, das perfekt zu Burtons Marke kindlicher Verwunderung und Verrücktheit passte.

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10. Corpse Bride – Die Braut der Leiche, 2005

10. Corpse Bride – Die Braut der Leiche, 2005

Die Corpse Braut steht mit ihrem neuen Ehemann.
Bild: Warner Bros. Pictures

Corpse Bride – Die Braut der Leiche ist ein weiteres von Tim Burtons Stop-Motion-Meisterwerken. Johnny Depp klingt so anders als in seinen anderen Rollen als der schüchterne und schreckliche Victor, der kurz vor seiner arrangierten Hochzeit aus Versehen eine tote Dame der Gesellschaft namens Emily heiratet. Sie bringt ihn in das sehr lebhafte Land der Toten mit hellen Grün-, Lila- und Blautönen, mitreißenden Musiknummern und verrückten Skelettfiguren (darunter ein entzückender toter Hund namens Scraps).

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Burton hat offensichtlich Freude daran, diese überraschend optimistische Welt mit dem düsteren, stickigen Grau des viktorianischen Englands zu kontrastieren. Corpse Bride – Die Braut der Leiche bietet alle Arten von kreativem, ekelhaftem Humor, wie etwa eine Made, die aus Emilys Augenhöhle herausspringt. Viele der verstorbenen Charaktere in Corpse Bride – Die Braut der Leiche ähneln der Art ihres Todes, wie ein Paar von Generälen mit Kanonenlöchern und Schwertern im Bauch – Victors stolperiger und ängstliche Umgang mit ihnen ist zum Urkomisch.

Es gibt auch sehr bewegende Momente, wie etwa Emilys Ermordung durch ihren Verlobten wegen ihres Vermögens. Helena Bonham Carters federleichte Stimme vermittelt den Eindruck einer verletzten jungen Frau und ihr Gesang ist wunderschön und eindringlich. Eine besonders berührende Szene mit Schmetterlingen wird Sie zu Tränen rühren. Corpse Bride – Die Braut der Leiche ist lustig und doch melancholisch, gruselig und doch süß und macht eine Menge Spaß. Es beweist dass auch Kinder Glück an dunklen Geschichten haben können.

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9. Batman, 1989

9. Batman, 1989

Batman rennt die Stufen eines Museums hinunter.
Bild: Warner Bros. Pictures

Tim Burtons extravaganter Gothic-Stil eignet sich perfekt dazu, die düstere Stadt Gotham zum Leben zu erwecken. Batman. Burton verwandelt Gotham in einen lebendigen, atmenden Großstadtdschungel, der perfekt zu Bruce Waynes gequältem Ich passt. Die engen Gebäude mit spitzen Türmen und kühn en Fassaden erinnern an deutsche expressionistische Filme wie Fritz Langs Metropole und F. W. Murnau’s Das letzte Lachen.

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Trotz der übertriebenen Sets, Batman wird durch die Darstellung von Michael Keaton geerdet; er stellt Batman und Bruce Wayne mit einer Mischung aus Coolness, Härte und Verletzlichkeit in den Schatten. Seine sanfte, gelassene Batman-Stimme deutet auf eine verborgene Stärke und ein unerschütterliches Selbstbewusstsein hin, das andere Schauspieler, die Batman spielen, selten haben. Jack Nicholson ist natürlich eine Ikone in der Rolle des Jokers und liefert mit seinem typischen frechen Lächeln eine wunderbar prunkvolle Darstellung; er verhält sich wie der manische Anführer eines verrückten Zirkus.

Es ist vielleicht nicht das Beste Batman Adaption – diese Ehre gebührt der Christopher Nolan-Trilogie –, aber dank Burtons Regie, die die reißerischen Aspekte des Comics effektiv einbezieht, hat sie einen düsteren, atmosphärischen Look.

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8. Batmans Rückkehr, 1992

8. Batmans Rückkehr, 1992

Michelle Pfeiffer als Catwoman.
Bild: Warner Bros. Pictures

Batmans Rückkehr beginnt mit einer Düsternis, die in anderen nicht so viel zu finden ist Batman Filme. Nachdem ein hochnäsiges, reiches Paar entdeckt, dass ihr Kind körperliche Besonderheiten aufweist, wirft es seine Wiege in einen eiskalten Fluss – und das ausgerechnet an Weihnachten! Begleitet vom unheimlichen Chor der Filmmusik von Danny Elfman reist der Film hinunter in die schmutzigen Abwasserkanäle, in denen Pinguine umherwandern. Der Film ist definiert durch Diese Art von Grausamkeit ist besonders in Danny DeVitos „Penguin“ zu sehen. Er ist ein lauter, frecher Charakter mit grotesker Erscheinung – klumpig und unförmig mit einer schnabelartigen Nase. Seine kurzen und runden Gesichtszüge, sein watschelnder Gang und seine heftigen Ausbrüche lassen ihn eher tierisch als menschlich erscheinen.

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DeVitos kitschige Darstellung ist das wahre Highlight von Batmans Rückkehr, zusammen mit Michelle Pfeiffer als Catwoman, natürlich. Ihre Darbietung ist erfreulich durchgeknallt und strahlt Erotik aus, besonders in ihrem BDSM-artigen Lederanzug und ihrer Freude daran , Leute zu fesseln. Der Film enthält Cartoon-Elemente, wie der Pinguin der ein riesiges Entenauto fährt, aber es gibt auch intensive Gewalt wie der Abbeiss eines Mannes und Blut zwischen seinen Zähnen heraussickert; ein anderer Mann wird durch einen Stromschlag erlitten, dessen weißen Augen aus sprudelndem verbranntem verkrustetem Fleisch hervortreten.

Batmans Rückkehr ist weitaus interessanter und visuell dynamischer als der ere Teil, weil er zu einer gewisseren Art von verrückter Hässlichkeit neigt, die nur Tim Burton erschaffen konnte.

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7. Sleepy Hollow, 1999

7. Sleepy Hollow, 1999

Die Besetzung von Sleepy Hollow steht zusammen.
Bild: Paramount Pictures

Sleepy Hollow ist einer von Tim Burtons großartigsten Filmen, der eine reiche gotische Ästhetik zur Schau stellt, die an die gewagten Horrorklassiker von Hammer erinnert. Die Bilder von tiefen Miederausschnitten, knorrigen Bäumen, nebligen Straßen und Strohdach-Cottages erschaffen einen düsteren und detaillierten Historienfilm. Jede Einstellung ist in düsteren Grau- und Schwarztönen getaucht, die allen Charakteren geisterhafte Gesichtsfarben verleihen und die Blutflüsse in diesem sehr blutigen Film förmlich aus der Leinwand springen lassen.

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Johnny Depps Leistung ist ein großer Teil dessen was ausmacht Sleepy Hollow funktioniert so gut als lebendige Mischung aus Kitsch, schwarzem Humor und echtem Terror. Er verkörpert voll den pinkeligen Ichabod Crane, der mehr an die Wissenschaft glaubt als an das Übernatürliche. Er verfügt über einen Werkzeugkasten voll bizarrer Erfindungen, darunter ein Satz käferartiger Okulare, an denen er gerne herumfummelt, aber er wird krank dabei und dabei Autopsien und Wunduntersuchungen an den kopflosen Opfern durchführen muss. Sleepy Hollow steigert sich zu einem spannenden Höhepunkt mit Christopher Walken als böser kopfloser Reiter.

Als einer von Tim Burtons Besten Sleepy Hollow ist einer der wenigen Horrorfilme, bei dem man viel Spaß hat aber auch Grusel er erledigt ist.

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6. Sweeney Todd: Der teuflische Barbier aus der Fleet Street, 2007

6. Sweeney Todd: Der teuflische Barbier aus der Fleet Street, 2007

 Sweeney und Mrs. Lovett sitzen zusammen am Strand.
Bild: Paramount Pictures

Sweeney Todd: Der teuflische Barbier aus der Fleet Street ähnelt Sleepy Hollow in seiner akribischen Detailtreue und den trostlosen, trüben Farben – das rote Blut aus den aufgeschlitzten Kehlen leuchtet heller als alles andere auf der Leinwand. Johnny Depp spielt Sweeney Todd, einen Mann, der seine Frau und seine Tochter an den bösen Richter Turpin verliert und aus der Haft in Australien zurückkehrt, um Rache zu nehmen.

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Depps Singstimme hat einen Rock’n’Roll-Touch, der der Figur wirklich gut steht und seine rohe, untröstliche Wut zum Ausdruck bringt. Sweeney geht eine hinterhältige Partnerschaft mit Mrs. Lovett ein, ermordet seine Friseurkunden und verwandelt sie in Fleischpasteten, um sich auf seine Abrechnung mit Turpin vorzubereiten. Helena Bonham Carters Gesang hingegen ist für eine derart ungestüme Figur wie Mrs. Lovett viel zu sanft und schwach.

Burton verleiht einigen Szenen einen Hauch seines skurrilen Flairs, insbesondere Mrs. Lovetts Fantasie „By the Sea“, in der Sweeney Todd trägt einen schwarz-weißen Badeanzug im Beetlejuice-Stil. Alle Musiknummern weisen diese Art kreativer Vision und flüssiger und dynamischer Kamerabewegungen auf. Sweeney Todd ist eine mörderische Mischung aus Horror, schwarzem Humor und Melodrama und einer von Burtons besten Filmen.

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5. Frankenweenie, 2012

5. Frankenweenie, 2012

Frankenweenie sieht seinen Besitzer an.
Bild: Disney

Im Jahr 1984 arbeitete Tim Burton als Animator für Disney und stellte einen Kurzfilm fertig. Frankenweenie, basierend auf Mary Shelleys Klassiker Frankenstein, über einen Jungen namens Victor Frankenstein, der mit Strom seinen toten Bullterrier Sparky wieder belebt. Ironischerweise entließ Disney Tim Burton schließlich weil er einen zu gruseligen Kinderfilm gedreht hatte, aber 2012 konnte Tim Burton eine 3D-Stop-Motion-Version seines Kurzfilms drehen.

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Das Neue Frankenweenie ist anspruchsvoll und berührend und spiegelt Tim Burtons langjährige Erfahrung als erfahrener Filmemacher wider. Die scharfen Schwarz-Weiß-Bilder lassen die beeindruckende Qualität der Puppen wirklich hervorstechen, insbesondere der seltsamen kleinen Kinder mit den riesigen Kulleraugen und kleinen Punkten als Pupillen und des entzückenden, energiegeladenen Sparky.

Der im Jahr 1957 angesiedelte, monochromatische Frankenweenie ist eine zarte Hommage an die klassischen Monsterfilme, die Tim Burton in seiner Jugend inspirierten. Frankenweenie hat mit seinem morbiden und derben Humor eine kindliche Sensibilität, aber auch eine Süße, die die besondere Bindung zwischen Kindern und ihren Haustieren kommentiert. Es ist ein wunderbarer Familienfilm, der eindeutig mit Tim Burtons Herzblut gemacht wurde.

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4. Ed Wood, 1994

4. Ed Wood, 1994

Ed Wood sitzt auf dem Regiestuhl.
Bild: Buena Vista Pictures

Ed Wood ist ein geradliniges Biopic, das in klarem Schwarzweiß gedreht wurde, um an die kitschigen Science-Fiction- und Horrorfilme der 1950er Jahre zu erinnern. Ed Wood war ein Außenseiter in Hollywood, der mit dürftigen Budgets und Filmstars, die ihre besten Jahre hinter sich haben, bei Fiaskos Regie führte. Als Ed Wood verleiht Johnny Depp der Rolle eine entschlossene Fröhlichkeit, der man nur schwer widerstehen kann. Die Szenen, in denen Ed spontan einen Film dreht, sind urkomisch und zeigen einen Regisseur, der gerne alles in einem Dreh dreht. ke, egal was passiert. Er genießt einfach den Prozess des Filmmachens! Das emotionale Herzstück des Films ist Ed Woods Beziehung zu Bela Lugosi, einem ehemals berühmten Horrorschauspieler, der mit Drogenproblemen kämpft und von einem großartigen Martin Landau gespielt wird. Ed Woods Lebensgeschichte passte perfekt zu einem Tim Burton-Film, weil er eine solche Zuneigung für Außenseiter hegt. Diese Zärtlichkeit und Fürsorge strahlt in Burtons Behandlung dieses einzigartigen Stücks Hollywood-Geschichte durch.

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3. Käfersaft, 1988

3. Käfersaft, 1988

Beetlejuice lächelt.
Bild: Warner Bros. Pictures

Käfersaft verkörpert alles, was wir an Tim Burton lieben: Es ist einer der seltsamsten Filme aller Zeiten. Er handelt von einem rebellischen Dämon namens Betelgeuse, der von einem gesunden, kürzlich verstorbenen Paar angeheuert wird, um die lebenden Menschen aus ihrem Haus zu „exorzieren“.

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Der Film bietet unglaubliche praktische Effekte, von Schrumpfkopfkreaturen und verwesenden Körpern bis hin zu riesigen Sandwürmern, die alle eine perfekte Balance zwischen Cartoonhaftigkeit und Gruseligkeit herstellen. Michael Keaton liefert eine unvergessliche Leistung als Titelfigur, in der er sich mit spastischem Gang, steckdosenartigen Haaren und sich ablösender grüner Haut komplett verwandelt. Er ist ein ungehobelter Showman, dessen Bösartigkeit sich in respektlosem Humor und grenzüberschreitenden Mätzchen manifestiert. Alle Charaktere in Käfersaft sind beeindruckend und die Darbietungen sind ebenso unvergesslich, von Alec Baldwin und Geena Davis als Geisterpaar bis hin zu Catherine O’Hara als melodramatische Bildhauerin und Winona Ryder als rätselhafte Teenagerin Lydia.

Käfersaft ist ein wunderbar absurder und kreativer Spaß, der die heitere, uramerikanische Unschuld der Vorstadt mit einer makabren Wendung darstellt, gekrönt durch Musiknummern von Harry Belafonte zum Thema der Dämonenbesessenheit. Es ist diese skurrile Mischung, die ihn nicht nur zu einem großartigen Film macht, sondern auch zu einem Halloween-Favoriten.

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2. Großer Fisch, 2003

2. Großer Fisch, 2003

Edward Bloom steht in einem Blumenfeld.
Bild: Columbia Pictures

Großer Fisch ist Tim Burton in seiner menschlichsten und introspektivsten Form, wobei er dennoch seine spektakuläre und einzigartige Vision beibehält. Albert Finney und Ewan McGregor sind perfekt besetzt als die ältere und die jüngere Version von Edward Bloom, einem charismatischen Verkäufer mit einer Liebe zum Abenteuer und einem Funkeln in den Augen. E Dward liebt es, farbenfrohe Geschichten über sein Leben zu erzählen, in denen er Meerjungfrauen küsst, einen riesigen Fisch fängt, im Zirkus einem Riesen begegnet und seine Zukunft im Glasauge einer Hexe sieht. All dies sind visuelle Spektakel voller fantastischer Kulissen, leuchtender Farben und traumhafter Details.

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Nachdem er uns mit seiner Einfallsreichtum geblendet und das Kernproblem aufgezeigt hat (Edwards Sohn William, gespielt von Billy Crudup, hat die Lügengeschichten seines Vaters satt), Großer Fisch erreicht einen hochemotionalen Höhepunkt, der den Film als einer von Tim Burtons besten festigt. Schön und sentimental, Großer Fisch erinnert uns an die Bedeutung der Familie und daran das Teilen von Erinnerungen und Geschichten miteinander, damit unser Vermächtnis weiterlebt.

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1. Edward mit den Scherenhänden, 1990

1. Edward mit den Scherenhänden, 1990

Edward schwingt seine klingenförmigen Finger.
Bild: 20th Century Studios

Edward mit den Scherenhänden ist Tim Burtons größte Leistung und markiert eine deutliche Abkehr von seinen eher komischen oder actionorientierten Filmen und verleiht der exzentrischen Ästhetik, für die er bekannt ist, eine tiefe emotionale Gravitas. Es ist auch das erste Mal, dass Tim Burton mit Johnny Depp zusammenarbeitete, der in sieben weiteren seiner Filme die Hauptrolle spielen sollte.

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Depp spielt einen jungen Mann mit Scherenhänden, der von einer gutherzigen Avon-Dame aufgenommen wird. Mit minimalem Dialog und unaufdringlicher Präsenz ähnelt seine Darstellung der eines Stummfilmschauspielers. In häufigen Nahaufnahmen vermittelt Johnny Depp so viel durch seine traurigen braunen Augen: Verwirrung, kindliche Unschuld, eine gebrochene Seele. Winona Ryder spielt die blonde Cheerleaderin, in die sich Edward verliebt, und ihre unausgesprochene, empathische Verbindung zieht Sie in die klassische Geschichte eines geächteten „Biests“, das sich in eine Schönheit verliebt.

Anders als in Tim Burtons anderen Filmen, in denen oft die komödiantischen Elemente seiner phantasievollen Schauplätze im Vordergrund stehen, werden in diesem Film die eintönigen Reihen pastellfarbener Häuser dem tintenschwarzen gotischen Schloss gegenübergestellt, in dem Edward lebt, um nachdenkliche Beobachtungen über die gesellschaftliche Ablehnung von Außenseitern und Menschen mit Andersartigkeit anzustellen. Es gibt so viele Momente, die sich anfühlen, als kämen sie direkt aus einem Märchenbuch, etwa wenn Kim im von Edward geschaffenen „Schnee“ wirbelt, begleitet von Danny Elfmans bezaubernder Chormusik.

Edward mit den Scherenhänden ist nicht nur Tim Burtons bester Film, sondern auch eines der größten modernen Märchen je erzählt wurde.

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