Die 12 Charaktere von Wes Anderson, die ihn zu einer Ikone machten

Wir alle sollten nach dem langfristigen Optimismus streben, den Dignan (Owen Wilson), der Protagonist von Andersons erstem Spielfilm, Flaschenrakete, hat in seinem Lebensplan. Allerdings sollten wir einen 75-Jahres-Plan wahrscheinlich nicht darauf aufbauen, die Leiter der Unterwelt der Kriminalität erklimmen. Dennoch wurde Dignans absurde Übertreibung nachvollziehbarer menschlicher Emotionen – wie der Angst vor Mittelmäßigkeit und dem Verlangen nach einem Sinn –zu einem Markenzeichen Andersons, das uns seine Figuren über Jahrzehnte an s Herz gewachsen machte.

Während Dignan nicht so ausgereift ist wie Andersons spätere Charaktere, wechselt die Tiefe seines Wahns in den letzten Momenten des Films vom Komischen zum Warnenden. Als er im Gefängnis sitzt, verkörpern seine letzten Worte – „Sie werden mich nie kriegen, Mann. Denn ich bin verdammt noch mal unschuldig.“ – perfekt seinen unerschütterlichen Glauben an seine eigene Fantasie. Sogar in der Komödie schafft Anderson Charaktere, die uns zum Lachen bringen und uns gleichzeitig das Herz brechen können.

Steve Zissou (Bill Murray) verkörpert die tragikomische Erhabenheit, die Wes Andersons beste Charaktere auszeichnet – ein Mann, der an seinem vergangenen Ruhm festhält, während er sein Privatleben kaum noch auf die Reihe bekommt. Bei seinem Versuch, den Jaguarhai zu töten, der seinen besten Freund gefressen hat, geht es weniger um Wissenschaft als vielmehr darum, zu beweisen, dass er immer noch wichtig ist. Zeilen wie „Was wäre der wissenschaftliche Zweck, ihn zu töten?“ sind daher sowohl urkomisch als auch herzzerreißend. Sein in Zeitlupe durch sein Boot stolzierender Gang Das „Belafonte“, unterlegt mit David Bowies „Queen Bitch“, zeichnet ihn als einen Mann, der verzweifelt versucht an seiner Legende zu bleiben und selbst während die Welt ohne ihn weiterdreht.

Doch im verletzlichsten Moment des Films, als er den Hai endlich sieht, verwandelt sein Flüstern – „Ich frage mich, ob er sich an mich erinnert“ – seine Rache in bittersüße Akzeptanz. Murray erweckt Zissou mit einer perfekten Balance aus trockenem Humor und leiser Melancholie zum Leben und liefert ery line mit der Art müheloser Ausstrahlung, die ihn sowohl absurd als auch zutiefst menschlich macht. Ob er in seinem Neoprenanzug schmollt oder seine dysfunktionale Crew zusammentrommelt, Murrays Präsenz macht Zissou zu mehr als nur einer Parodie abgehalfterter Abenteurer – er macht ihn unvergesslich.

Max Fischer (Jason Schwartzman) ist die Blaupause für viele der besten Charaktere von Wes Anderson – ein übermütiger Träumer, der zu gleichen Teilen Genie und Katastrophe ist und dessen Ehrgeiz seine Fähigkeiten bei weitem übersteigt. Er schreitet durch Rushmore als ob es ihm gehört, obwohl er einer der schlechtesten Schüler der Schule ist, und sein Glaube an seine eigene Brillanz ist so unerschütterlich, dass er sogar, wenn er versagt, immer noch davon überzeugt ist, dass er gewinnt. Sein Satz „Ich habe Latein gerettet. Was hast du jemals getan?“ fängt die Wahnvorstellung perfekt ein. nale Selbstherrlichkeit, die ihn sowohl urkomisch als auch seltsam inspirierend macht. Wie Steve Zissou oder M. Gustave nach ihm jagt Max nicht nur dem Erfolg hinterher – er schafft seine eigene Legende, sei es durch sein unmögliches Aquariumprojekt oder sein völlig übertriebenes Vietnamkriegsstück. Himmel und Hölle.

Aber Andersons beste Charaktere sind nicht nur Cartoons; sie sind fehlerhafte, zutiefst menschliche Figuren, die echten Schmerz unter ihren Macken verbergen. Max‘ Kummer wegen Miss Cross (Olivia Williams), seine zerbröckelnde Freundschaft mit Herman Blume (Bill Murray) und seine Verzweiflung, in einer Welt, die ihm immer wieder sagt, dass er keine Bedeutung hat, etwas zu bedeuten, machen ihn zu einem von Andersons beständigsten Protagonisten. Und doch, am Ende, als er Als er eine letzte große Inszenierung aufführt – kein Theaterstück sondern eine Versöhnung –, lernt er , dass es bei den großartigsten Gesten manchmal nicht darum geht, seinen Wert zu beweisen, sondern darum Frieden zu schließen. Als „Ooh La La“ von The Faces gespielt wird und er Miss Cross’ Hand für einen leise Tanz nimmt, tritt Max das Erbe von Andersons unvergesslichsten Figuren auf – ein Außenseiter, ein Träumer und eine Legende in seiner eigenen Vorstellung, der wir aber unbedingt mit der Anfeuerung sein müssen.

Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) ist möglicherweise die emotional gestrandeteste Figur, die Wes Anderson je geschaffen hat – ein Experte darin, die Welt durch seine Kamera einzufangen, aber völlig unfähig, in seinem eigenen Leben präsent zu sein. Als seine Frau stirbt, erzählt er seinen Kindern drei Wochen lang nichts davon. Er wartet, bis sie buchstäblich irgendwo im Nirgendwo gestrandet sind, bevor er ihnen die Neuigkeit mit der Wärme eines Wetterberichts verkündet.

„Sie ist in der Tupperware“, sagt er tonlos und hält die Asche hoch, als wäre sie nur ein weiteres Gepäckstück. Doch Augies Trauer ist weder laut noch theatralisch – sie ist so tief unter seinem ausdruckslosen Verhalten begraben, dass selbst er sie nicht zu erkennen scheint. Er geht durch Asteroidenstadt wie ein Mann, der für eine Rolle probt, deren Spiel er vergessen hat, verlässt sich auf die Sicherheit seiner Routine und hält alles – seine Gefühle, seine Kinder, sogar sich selbst –auf Armdistanz.

Seine Momente mit Midge Campbell (Scarlett Johansson) bieten einen Einblick in etwas Rohes, etwas Unvorhergesehenes, insbesondere ihr ruhiger, atemberaubender Austausch durch das Motelfenster, in dem sie ihm sagt, er solle es „einfach fühlen“, und er zugibt: „Ich weiß nicht, wie.“ Aber Augies wirklicher Wendepunkt kommt nicht in der Welt von Asteroidenstadt, sondern in der schwarz-weißen Leere der Inszenierung des Metastücks, wenn er völlig aus sich selbst tritt und den Regisseur fragt: „Mache ich es richtig?“ Das ist das Verletzlichste, was er sagen kann – nicht nur über die Aufführung, sondern über alles. Über die Trauer. Über die Erziehung. Über das einfache Existieren. Und irgendwie verfestigt dieser einzelne Moment – einfach, direkt, herzzerreißend – Augie als eine von Andersons schmerzlichsten realsten Figuren.

Francis Whitman (Owen Wilson) ist der Typ, der seinen Brüdern laminierte Reisepläne zur emotionalen Heilung überreicht, als ob ein enger Zeitplan und ein paar heilige Tempel alles, was zwischen ihnen kaputt ist, wie von Zauberhand wieder in Ordnung bringen könnten. Nachdem er bei einem Motorradunfall fast gestorben wäre, trommelt er seinen entfremdeten Bruder zusammen. er für eine „spirituelle Reise“ durch Indien, aber seine Vorstellung von Erleuchtung hat weniger mit Selbstfindung als eher mit streng geplanten Tempelbesuchen und laminierten Reiseplänen zu tun. „Ich möchte , dass wir völlig offen miteinander umgehen“, erklärt er, bevor er ihnen genau vorschreibt, wie sie sich fühlen und was sie sagen sollten.

Sein zur Hälfte mit Verbänden bedecktes Gesicht ist eine perfekte visuelle Metapher für die Wunden, die er nicht wahrhaben will. Doch hinter dem erzwungenen Optimismus und der erdrückenden Führung versinkt Francis in einem ungelösten Trauma und wird von einem Vater heimgesucht, der ihm nichts als sein passendes Gepäck hinterlassen hat, und einer Mutter, die alles völlig im Stich gelassen hat. Sein Bruchpunkt kommt in ein so lächerlicher wie roher Moment – er steht auf einem Hügel und schreit: „Lass uns etwas trinken und darüber reden!“, als könnte man die Heilung wie einen Boxenstopp einplanen. Erst als er endlich loslässt – im letzten Moment des Films buchstäblich und die Koffer seines Vaters fallen lässt –, beginnt er zu begreifen, dass manche Ballast zu schwer ist, um sie für immer mit sich zu tragen.

Francis wird vielleicht nie das spirituelle Erwachen erfahren, das er sich erhofft hatte, doch in dieser stillen Hingabe verkörpert er eines von Andersons beständigsten Themen – die Illusion von Kontrolle angesichts der Trauer – und etabliert sich als Schlüsselfigur in Andersons Erbe an Charakteren, die tiefe emotionale Wunden hinter einem sorgfältig gestalteten Äußeren verbergen.

Fragen Sie jeden, der jemals im Grand Budapest Hotel übernachtet hat, und Sie werden immer dasselbe hören – M. Gustave (Ralph Fiennes) War das Hotel. Wie so viele von Andersons besten Charakteren ist er sowohl eine Kontrollfigur als auch ein Mann, der völlig überfordert ist und an einer Version der Welt festhält, die nicht mehr existiert. Er handelt mit tadellosem Charme und strenger Etikette und ist davon überzeugt, dass Poesie, Parfüm und perfekte Manieren die Fluten von Krieg und Verrat aufhalten können. Aber unter der sorgfältig gepflegten Außenseite liegt etwas Tieferes – ein Mann, der Angst vor Bedeutungslosigkeit hat und verzweifelt versucht, die Schönheit in einer Welt zu bewahren, die sie auslöschen will.

Er passt perfekt in Andersons Ahnenreihe komplizierter Männer, von Royal Tenenbaums Selbstmythologisierung bis zu Steve Zissous wahnhafter Größenwahnvorstellung – Charaktere, die ihre eigene Wichtigkeit ausleben, selbst wenn ihre sorgfältig aufgebaute Identität zu bröckeln beginnt. Was Gustave so unglaublich macht Unvergesslich ist nicht nur seine Kultiviertheit, sondern auch sein Trotz, die stille Tragödie eines Menschen, der sich weigert zu akzeptieren, dass sich die Regeln geändert haben. Und doch bleibt er in der Erinnerung an Zero (Tony Revolori) bestehen – ein Echo verlorener Erhabenheit, so zerbrechlich und vergänglich wie das Hotel selbst.

Niemand außer Wes Anderson konnte einen Charakter wie Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray) erschaffen. Er ist ein Ein Mann mit ruhiger Autorität, tiefer Sentimentalität und unerschütterlicher Hingabe an eine Welt, die ihm entgleitet. Howitzer ist eine Figur, die das Chaos mit fester, aber sanfter Hand zusammenhält. Er setzt eine urkomisch strikte Weinverbotsregel durch, ist aber dennoch der Erste, der die Menschlichkeit in den Geschichten erkennt, die ihm seine Autoren präsentieren, und ihre ausufernden Exzentrizitäten in etwas Raffiniertes verwandelt.

Hinter seinem schroffen Pragmatismus verbirgt sich etwas zutiefst Sentimentales – er ist ein Redakteur, der wirklich an die Schönheit des Geschichtenerzählens glaubt, selbst wenn die Zeitung selbst in der Erinnerung verblasst. Bill Murrays Leistung hier ist seine beste in allen Anderson-Filmen (er hat in zehn mitgespielt), eine Meisterklasse in untertriebener Wärme und trockenem Witz, die Er umarmt den müden, aber ergebenen Redakteur mit mühelosem Charme. Mit nur einer hochgezogenen Augenbraue, einem knappen Ratschlag – „Versuchen Sie einfach, es so klingen zu lassen, als hätten Sie es mit Absicht so geschrieben“ – oder einem ruhigen, wissenden Blick verleiht er Howitzer die schroffe, aber zutiefst sentimentale Präsenz, die ihn wie die Seele der Nachrichtenredaktion erscheinen lässt.

Eine gewisse Traurigkeit zieht sich durch Wes Andersons Filme – eine tiefe, unausgesprochene Melancholie unter der Symmetrie und den Pastellfarben – und keine Figur verkörpert sie besser als Richie Tenenbaum (Luke Wilson). In Andersons Pantheon emotional verkümmerter Genies, fehlgeleiteter Visionäre und verlorener Seelen sticht Richie als das vielleicht reinste Beispiel stillen, unerschütterlichen Herzschmerzes hervor.

Richie spricht seinen Schmerz kaum laut aus, sondern trägt ihn in seiner gebeugten Haltung, seiner ständigen Sonnenbrille und seinem resignierten halben Lächeln. Er ist ein Mann, der einst seinen Platz in der Welt hatte – anmutig, verehrt, mühelos talentiert –, der aber nun außerhalb davon treibt, zunichte gemacht durch eine Liebe, die er nie ganz haben kann, und eine Familie, zu der er keine Verbindung mehr aufbauen kann.

Was Richie zu einer von Andersons größten Schöpfungen macht, ist nicht nur seine Traurigkeit, sondern auch seine zugrunde liegende Zärtlichkeit. Von allen tragischen Figuren Andersons hat er das weichste Herz, und während andere in Narzissmus oder Genusssucht abdriften, ist Richies Schmerz privat, zurückhaltend und zutiefst menschlich. In einer Welt voller Charaktere, die verlorenem Potenzial nachjagen, ist er derjenige, der tief in seinem Inneren zu wissen scheint, dass dieses bereits verloren ist – und dennoch hält er irgendwie an der kleinsten Hoffnung fest, dass etwas Schönes übrig bleibt.

Mr. Fox (George Clooney) strahlt eine ruhelose Energie aus, die ihn zu einer der fesselndsten Figuren von Wes Anderson macht – ein Schurke, gefangen zwischen dem wilden Tier, zu dem er geboren wurde, und dem domestizierten Familienvater, zu dem er werden möchte. Im Grunde ist er ein impulsives Wesen, das immer dem nächsten Nervenkitzel hinterherjagt, sei es Hühnerstehlen oder das Überlisten von Bauern, selbst wenn sich die Konsequenzen um ihn herum häufen.

Was ihn so faszinierend macht, ist nicht nur sein Charme oder seine Klugheit, sondern auch die zugrunde liegende Unsicherheit, die ihn antreibt. Er sehnt sich danach, außergewöhnlich zu sein, in Erinnerung zu bleiben, mehr als nur ein weiterer Fuchs, der sich ein gewöhnliches Leben zusammenkratzt. Und doch verbirgt sich unter der Tapferkeit ein schmerzlicher Selbstbewusstsein – tief im Inneren weiß er, dass er mit seiner Rücksichtslosigkeit alles auf Risiko bringt, dass sein Bedürfnis, sich zu beweisen ebenso ein Fehler wie eine Gabe ist.

In einer Welt aus ordentlich angeordneten Stop-Motion-Bildern ist er ein Ausbruch von Chaos, ein Widerspruch, eine Figur, deren Triumphe immer ihren Preis haben. Und doch kann man, wie bei allen besten Schöpfungen Andersons, nur mit ihm mitfiebern, denn egal, wie viele Fehler er macht, egal, wie viel er verliert, er hört nie auf, nach etwas Größerem zu streben – selbst, wenn es nur ein letzter, perfekt ausgeführter Raubüberfall ist.

Es ist fast absurd komisch, dass derselbe Schauspieler, der Walter White spielte, den skrupellosen und berechnenden Boss vonBreaking Bad – Die wunderbare Welt der Träume, kann auch eine zutiefst gefühlvolle und fesselnde Leistung als mürrischer, streunender Hund in einem Stop-Motion-Film von Wes Anderson liefern. Chief (Bryan Cranston) hat eine Rauheit, die ihn von den anderen Hunden in unterscheidet. Isle of Dogs– ein rauflustiger Streuner, der seine Unabhängigkeit wie eine Rüstung trägt und davon überzeugt ist, dass es ihm allein besser geht.

Anders als die verwöhnten, nach Trash Island verbannten Haustiere hat Chief nie menschliche Zuneigung erfahren, und er verabscheut die bloße Vorstellung von Knechtschaft. Doch was ihn zu einer von Wes Andersons besten Figuren macht, sind nicht nur seine Zähigkeit oder sein Biss – es ist das langsame, widerwillige Aufgeben seiner Abwehrmechanismen. Unter seiner schroffen Fassade verbirgt sich ein tiefes, unausgesprochenes Verlangen danach, dazuzugehören, ein Anflug von Unsicherheit, der wächst, als er eine Bindung zu Atari aufbaut, dem Jungen, der hinter seinem Knurren etwas Sanfteres darunter erkennt.

Seine Verwandlung – vom zynischen Einzelgänger zum loyalen Beschützer – ist einer von Andersons bewegendsten Handlungssträngen und beweist, dass selbst die abgehärtetsten Geschöpfe ihren Platz in der Welt finden können. Und in einem Film voller symmetrischer Schönheit und Präzision bleibt Chief ein herrlicher Widerspruch: ein instinktives Geschöpf, das mit der ungewohnten Last der Liebe ringt.

Es mag schwer zu akzeptieren sein, dass Wes Anderson, ein Filmemacher, der für seine schwer geschädigten Erwachsenen bekannt ist – Männer, die von verlorener Liebe belastet sind, Väter, die in Reue versinken – seine ergreifendsten Charaktere in zwei 12-Jährigen schuf, die mit einer Katze, einem Koffer und einem Plattenspieler von zu Hause weglaufen. Aber es ist wahr. Sam und Suzy (Jared Gilman und Kara Hayward) in Mondaufgang-Königreich sind nicht nur Kinder, die Familie spielen; sie sind zwei Seelen, die sich trotz ihres Alters auf eine Art verstehen, wie die Erwachsenen um sie her nie könnten.

Sam, ein Waisenkind und Außenseiter unter seinen Altersgenossen, ist pragmatisch und äußerst loyal, während Suzy mit ihrem scharfen Blick und den gestohlenen Bibliotheksbüchern die stille Wut von jemandem in sich trägt, der sich grundsätzlich unsichtbar fühlt. Gemeinsam erschaffen sie ihre eigene Welt, ein geheimes Inselrefugium, auf dem sie ohne Urteil existieren können. Aber was sie zu Andersons besten Charakteren macht, ist nicht nur ihr rebellisches Abenteuer – es ist die Ernsthaftigkeit ihrer Liebe, die Art und Weise, wie sie das Leben mit einer Aufrichtigkeit angehen, wie sie es nur bei Kindern tun können.

In einer Welt emotional verkümmerter Erwachsener sind Sam und Suzy die einzigen, die mutig genug sind, etwas mehr zu fordern: ein Leben, in dem sie verstanden werden und wo sie hingehören. Und das macht ihre Geschichte trotz ihrer pastellfarbenen Launenhaftigkeit zur zutiefst menschlichen, die Anderson je erzählt hat.